Фреска природа и техника

Благовещение , фреска Фра Анджелико, 1438–45; в музее Сан-Марко, Флоренция.

Фреска природа и техника

Фреска , картина, нанесенная и сделанная неотъемлемой частью поверхности стены или потолка. Термин может правильно включать роспись на обожженных плитках, но обычно не относится к мозаичному декору, если только мозаика не является частью общей схемы росписи.

Деталь Религия , фреска в люнет из серии «Семья и образование» Чарльза Спрэга Пирса, 1897; в Библиотеке Конгресса, Томас Джефферсон Билдинг, Вашингтон, округ Колумбия
Деталь Религия , фреска в люнет из серии «Семья и образование» Чарльза Спрэга Пирса, 1897; в Библиотеке Конгресса, Томас Джефферсон Билдинг, Вашингтон, округ Колумбия

Природа и техника

Стенная роспись по своей природе отличается от всех других форм изобразительного искусства тем, что она органически связана с архитектурой. Использование цвета, дизайна и тематической обработки может радикально изменить ощущение пространственных пропорций здания. В этом смысле фреска является единственной формой живописи, которая действительно трехмерна, так как она модифицирует и участвует в данном пространстве. Византийские мозаичные украшения проявили наибольшее уважение к органической архитектурной форме. Великие художники эпохи Возрождения, с другой стороны, пытались создать иллюзионистское чувство пространства, а также мастера последующего барокко. Период получил такие радикальные эффекты, что, казалось бы, почти полностью растворил стены или потолки. Помимо органического отношения к архитектуре, второй характеристикой росписи является ее широкое общественное значение. Художник настенной росписи должен наглядно представить социальную, религиозную или патриотическую тему в соответствующем масштабе, ссылаясь как на структурные потребности стены, так и на выраженную идею.

В истории настенной живописи использовалось много техник: энкаустическая роспись, темперная роспись, фресковая роспись, керамика, масляная краска на холсте и, в последнее время, жидкая силикатная и обожженная фарфоровая эмаль. В классические греко-римские времена наиболее распространенным энкаустика, при которой цвета растираются в расплавленном воске (или связующем из смолы) и наносятся на поверхность краски в горячем состоянии. Темпера картина также практикуется с самых ранних известных времен; связующим веществом была белковая среда, такая как яичный желток или яичный белок, разведенный в воде. В Европе 16-го века, Масляная краска на холсте вошла в широкое применение для росписей. Факт, что это могло быть закончено в мастерской художника и позже транспортировано к его предназначению и прикреплено к стене, было практическим удобством. Тем не менее, масляная краска является наименее удовлетворительной средой для росписи: ей не хватает яркости цвета и текстуры поверхности, многие пигменты желтеют от связующего вещества или подвержены влиянию атмосферных условий, а сам холст подвержен быстрому износу.

 

Ранние проявления и раннее Возрождение

Римляне использовали роспись в необычайной степени. В Помпеях и Остии стены и потолки почти всех зданий, как общественных, так и частных, были окрашены в унифицированные, изобретательные декоративные схемы, которые охватывали широкий спектр картин, включая пейзаж, натюрморт и фигурные сцены. Тем не менее, ни в какое другое время до или после этого роспись не получила более высокую степень творческой концентрации художника и мецената, чем в Европе во время Ренессанс. Непрерывный изобретательный дух и пытливый ум, богатая поддержки со стороны меценатов и постоянно пробуждающееся отношение к новым творческим возможностям — вот характеристики этого замечательного века. Говорят в основном о стиле раннего ренессанса (15 век), высокого ренессанса (1500–30) и стиля позднего ренессанса, или маньеризма (вторая и третья четверти 16 века). Центрами деятельности были различные города, соперничающие личности и семьи, которые доминировали в каждой области как политические и культурные лидеры.

В Флоренция, несомненно, самый важный центр, развитие раскрывает акцент на конкретные проблемы формы почти до точки одержимости. Она началась с концентрацией на монументальной фигуре Мазаччо, в результате чего прочно построенные формы в трехмерном пространстве тесно интегрированы с помощью жестов и света и тени, чтобы произвести драматическое единство. Наверное, это умение было признано и развито такими преуспевающими художниками, как Паоло Уччелло, Пьеро делла Франческа и Мелозо да Форли. Грандиозные фрески Лука Синьорелли (часовня Сан-Бризио, Орвието) раскрывает концентрацию на анатомии и хорошо смоделированную структуру многих обнаженных фигур для достижения большей силы и артикуляции. Это становится отправной точкой для великого искусства Микеланджело в следующем столетии.

Вторая традиция — более консервативная и готическая, примером которой является чистое и мистическое выражение Фра Анджелико (Сан-Марко, Флоренция). Третья традиция — это своего рода романтический реализм, который можно найти на фресках Фра Филиппо Липпи (собор в Прато ) и Benozzo Gozzoli ( Часовня дворца Медичи , Флоренция). Фрески как Липпи, так и Гоццоли показывают понимание художественных проблем Масаччо, а также новый интерес к природе и ее узнаваемое и реалистичное представление. Наконец, эти разнородные элементы объединены в очень чувствительный и декоративный стиль в последней четверти 15-го века, особенно в фресках Доменико Гирландайо и Сандро Боттичелли.

Благовещение , фреска Фра Анджелико, 1438–45; в музее Сан-Марко, Флоренция.
Благовещение , фреска Фра Анджелико, 1438–45; в музее Сан-Марко, Флоренция.

Высокий Ренессанс

В Высоком Возрождении доминируют великие люди, чьи захватывающие проекты часто оставались незавершенными или были завершены другими. Богатый и универсальный гений Леонардо да Винчи лучше всего демонстрируется в драматическом движении фигур и напряженно психологической интерпретации содержания, показанных в его двух наиболее важных настенных проектах: битва при Ангиари (1503–06) в Палаццо Веккьо во Флоренции (разрушена но известна частичными копиями) и знаменитой Тайной вечери (1495–98) в Санта-Мария-делле-Грацие в Милане.

Леонардо да Винчи: Тайная вечеря Тайная вечеря , настенная роспись Леонардо да Винчи, ок. 1495–98 до восстановления, завершенного в 1999 году; в Санта-Мария делле Грацие, Милан.
Леонардо да Винчи: Тайная вечеря
Тайная вечеря , настенная роспись Леонардо да Винчи, ок. 1495–98 до восстановления, завершенного в 1999 году; в Санта-Мария делле Грацие, Милан.

Микеланджело, более интенсивный и глубоко религиозный, чем ученый Леонардо, стремился направить свое выражение только через человеческую фигуру. Таким образом, драматическое движение фигуры несет в себе общий дизайн его первой фрески — битвы при Кашине (ок.1504) за Палаццо Веккьо во Флоренции (потерянной, но известной по рисункам и гравюрам). Грандиозный проект по украшению потолка Сикстинской капеллы для папы Юлия II следовал тому же методу с возрастающей концентрацией на фигуре, а затем на последнем Страшном суде (1534–41) на торцевой стене. В той же комнате проявляется больший интерес к движению больших фигурных масс в пространстве со значительной драматической свободой и интенсивностью.

Рафаэль представляет собой наиболее совершенный баланс и интеграцию всех проблем формы, пространства и декоративного единства, с которыми экспериментировал в течение предыдущего столетия. Совершенствование формы идентифицируется с сопоставлением в Диспут Святого Причастия (1510-11; называется Disputa) и Афинская школа (1509–1111 гг.) В стансе делла Сегнатура в Ватикане. Более поздние исторические фрески стансов показывают растущий интерес к движению.

Корреджо — последний из фресок Высокого Возрождения. Его фрески в соборе и церкви Сан-Джованни Евангелиста в Парме отражают переход к новой концепции маньеризма.

 

Барокко и не только

Два фактора обуславливают развитие росписи в стиле барокко 17 века. Одним из них является огромный строительный энтузиазм, порожденный контрреформацией, особенно через орден иезуитов. Второе — это важность дворцов и домов правящей аристократии по всей Европе как центров культурной жизни общества. Корни стиля можно найти снова в творчестве мастеров эпохи Возрождения, но они интерпретируются и преподаются новым учреждением Академии (например, институтом Карраччи в Болонье, Италия, и Французской академией основана в 1648 году). Его развитие можно проследить от аллегорического оформления Палаццо Фарнезе в Риме по Аннибале Карраччи в более сложных стенных и потолочных фресок Domenichino, Пьетро да Кортона и Андреа Поццо при этом резкое движение в ракурсе фигур и перспективных смесей с архитектурой и достичь полной единой и бесконечной иллюзии пространства.

Самый плодовитый и действительно самый важный единственный художник барокко с декоративной точки зрения Питер Пауль Рубенс, чьи рисунки для гобеленов, исторических картин ( серия « Marie de Médicis » в Люксембургском дворце, в настоящее время в Лувре ) и украшения для церквей иезуитов в Антверпене и Банкетного дома, Уайтхолл, Лондон, а также его собственные дома в Антверпене, отражают как универсальность его продуктивного гения, так и его международное признание. В конце 18-го и 19-го века в Европе почти не было дальнейшего развития стиля или техники. В 20-м веке, однако, настенная роспись сильно возродилась в три основных этапа. Одним из них является более абстрактным и экспрессионистическим форма вытекающий из экспериментальной станковой живописи из кубизма и фовистских групп в Париже и развивается в крупных проектах Пабло Пикассо (ЮНЕСКО, Париж), Анри Матисса (часовня в Ванс, Франция), Фернана Леже, Хуан Миро и Марк Шагал (декорации Парижской оперы и Линкольн-центр, Нью-Йорк). Второй этап произошел из революционного движения в Мексике с замечательной серией фресок Хосе Клементе Ороско, Диего Ривера, Дэвида Альфаро Сикейроса и Руфино Тамайо. С последующим принятием концепций дизайна и структуры 20-го века в архитектуре, новое широкое использование мозаики стало отличительной чертой (например, Национальный автономный университет Мексики). Третьим этапом было недолговечное американское движение надписи на стенах 1930-х годов, разработанное при федеральном спонсорстве США, Администрации Рабочего Прогресса. Федеральный художественный проект. Широкое географическое распределение работ в общественных зданиях США и свобода, предоставляемая как индивидуальному, так и экспериментальному способам выражения, а также интерпретации социальных и политических проблем, придавали художественный импульс художественному оформлению. Примерами являются фрески Бена Шана, члена правления Робинсона, Томаса Харта Бентона, Реджинальда Марша и Джона Стюарта Карри. Фрески, написанные многочисленными художниками в мемориальной башне Койта в Сан-Франциско, были созданы под эгидой федерального правительства в этот период и сохранились до 21-го века.

 

Оцените статью
Art-Grea
Добавить комментарий