Арт-деко

Арт-деко, сокращение от французского Arts décoratifs (букв. «Декоративное искусство«), — стиль изобразительного искусства, архитектуры и дизайна продукции, который впервые появился в Париже в 1910-х годах (незадолго до Первой мировой войны), и процветал в Соединенных Штатах и Европе с 1920-х по начало 1930-х годов. Благодаря стилю и дизайну экстерьера и интерьера чего угодно, от крупных сооружений до небольших объектов, включая внешний вид людей (одежду, моду и украшения), арт-деко повлиял на мосты, здания (от небоскребов до кинотеатров), корабли, океанские лайнеры, поезда, легковые автомобили, грузовики, автобусы, мебель и предметы повседневного обихода, включая радиоприемники и пылесосы.

Victoire (1928)

Плакат для Всемирной выставки Век прогресса, на котором изображены выставочные здания с лодками на воде на переднем плане.

Типичное здание в стиле ар — деко

Арт-деко получил свое название в честь Международной выставки современного декоративного искусства 1925 года (International Exposition of Modern decoratifs et industriels modernes), проходившей в Париже. Арт-деко берет свое начало в смелых геометрических формах Венского сецессиона и кубизма. С самого начала на него повлияли яркие краски фовизма и русских балетов, а также экзотические стили искусства из Китая, Японии, Индии, Персии, Древнего Египта и майя.

В период своего расцвета арт-деко олицетворял роскошь, гламур, изобилие и веру в социальный и технологический прогресс. В механизме использовались редкие и дорогие материалы, такие как черное дерево и слоновая кость, а также изысканное мастерство исполнения. В нем также были представлены новые материалы, такие как хромирование, нержавеющая сталь и пластик. В Нью-Йорке Эмпайр-стейт-билдинг, Крайслер-билдинг и другие здания 1920-1930-х годов являются памятниками этого стиля.

В 1930-х годах, во время Великой депрессии, арт-деко постепенно становился более сдержанным. Более изящная форма стиля, получившая название Streamline Moderne, появилась в 1930-х годах с изогнутыми формами и гладкими полированными поверхностями. Арт-деко был поистине международным стилем, но его господство закончилось с началом Второй мировой войны и появлением строго функциональных и без украшений стилей современной архитектуры и последовавшего за ними международного стиля архитектуры.

Арт-деко получило свое название, сокращенное от Arts Décoratifs, от Международной выставки современного декоративного и промышленного искусства, состоявшейся в Париже в 1925 году, хотя разнообразные стили, которые его характеризовали, уже появлялись в Париже и Брюсселе до Первой мировой войны.

Декоративно-прикладное искусство впервые было использовано во Франции в 1858 году в Бюллетене Французского общества фотографии. В 1868 году газета Le Figaro использовала термин предметы художественного оформления для предметов декораций, созданных для Театра Оперы. В 1875 году французское правительство официально присвоило дизайнерам мебели, текстильщикам, ювелирам, стекольщикам и другим ремесленникам статус художников. В ответ Королевская бесплатная школа дизайна (Royal Free School of Design), основанная в 1766 году при короле Людовике XVI для обучения художников и ремесленников ремеслам, связанным с изобразительным искусством, была переименована в Национальную школу декоративного искусства (Национальная школа декоративного искусства). В 1927 году он получил свое нынешнее название ENSAD (Высшая национальная школа декоративного искусства).

Сам термин арт-деко не появлялся в печати до 1966 года в названии первой современной выставки на эту тему, проведенной Музеем декоративных искусств в Париже, Les Années 25 : Art déco, Bauhaus, Stijl, Esprit nouveau, которая охватывала различные основные стили 1920-х и 1930-х годов. Затем этот термин был использован Хиллари Гелсон в газетной статье 1966 года в The Times (Лондон, 12 ноября), описывающей различные стили на выставке.

Арт-деко приобрело популярность как широко применяемый стилистический ярлык в 1968 году, когда историк Бевис Хиллиер опубликовал первую крупную академическую книгу о нем, Арт-деко 20-х и 30-х годов. Он отметил, что этот термин уже использовался арт-дилерами, и приводит в качестве примеров The Times (2 ноября 1966 г.) и эссе под названием Les Arts Déco в журнале Elle (ноябрь 1967 г.). В 1971 году он организовал выставку в Институте искусств Миннеаполиса, о которой он подробно рассказывает в своей книге Мир ар-деко.

В свое время арт-деко носил другие названия, такие как стиль модерн, Модерн, модернистский или современный стиль, и не был признан отдельным и однородным стилем.

Новые материалы и технологии, особенно железобетон, сыграли ключевую роль в развитии и появлении ар-деко. Первый бетонный дом был построен в 1853 году в пригороде Парижа Франсуа Куанье. В 1877 году Джозеф Монье представил идею укрепления бетона сеткой из железных прутьев в виде решетки. В 1893 году Огюст Перре построил первый бетонный гараж в Париже, затем жилой дом, затем, в 1913 году, Театр Елисейских полей. Один критик назвал театр «Цеппелином с авеню Монтень», предполагаемым германским влиянием, скопированным с Венского сецессиона. Впоследствии большинство зданий в стиле ар-деко были построены из железобетона, что давало большую свободу форм и меньше необходимости в усилении столбов и колонн. Перре также был пионером в покрытии бетона керамической плиткой, как для защиты, так и для украшения. Архитектор Ле Корбюзье впервые узнал об использовании железобетона, работая чертежником в студии Перре.

Другими новыми технологиями, которые были важны для ар-деко, были новые методы производства листового стекла, которое было дешевле и позволяло производить окна гораздо большего размера и прочности, а также для массового производства алюминия, который использовался для изготовления зданий и оконных рам, а позже Корбюзье, Уоррена Макартура и других для легкой мебели.

Архитекторы Венского сецессиона (образован в 1897 году), особенно Йозеф Хоффман, оказали заметное влияние на ар-деко. Его дворец Стокле в Брюсселе (1905-1911) был прототипом стиля ар-деко с геометрическими объемами, симметрией, прямыми линиями, бетоном, покрытым мраморными плитами, тонко вылепленным орнаментом и роскошными интерьерами, включая мозаичные фризы Густава Климта. Хоффманн также был основателем Wiener Werkstätte (1903-1932), ассоциации мастеров и дизайнеров интерьеров, работающих в новом стиле. Это стало моделью для Французской компании искусств, созданной в 1919 году, которая объединила Андре Маре и Луи Сюэ, первых ведущих французских дизайнеров и декораторов в стиле ар-деко.

Деталь фасада дворца Стоклет, выполненная из железобетона, покрытая мраморными табличками

Дворец Стоклет в Брюссель Автор: Josef Hoffmann (1905–1911)

Австрийский почтово-сберегательный банк в Вене работы Вагнера (1904-1912)

Церковь Святого Леопольда в Вене работы Отто Вагнера (1903-1907)

Дом Сецессиона в Вена Автор: Joseph Maria Olbrich (1897–98)

Появление ар-деко было тесно связано с повышением статуса художников-декораторов, которые до конца 19 века считались просто ремесленниками. Термин декоративное искусство был изобретен в 1875 году, придав дизайнерам мебели, текстиля и других предметов декора официальный статус. Общество художников-оформителей (Société des artistes décorateurs), или SAD, было основано в 1901 году, и художникам-декораторам были предоставлены те же авторские права, что и художникам и скульпторам. Аналогичное движение развивалось в Италии. Первая международная выставка, полностью посвященная декоративному искусству, Международная выставка современного искусства, состоялась в Турине в 1902 году. В Париже было основано несколько новых журналов, посвященных декоративному искусству, в том числе Arts et décoration и L’Art décoratif moderne. Секции декоративного искусства были введены в ежегодных салонах Французского общества художников, а позже в Осеннем салоне. Французский национализм также сыграл свою роль в возрождении декоративного искусства, поскольку французские дизайнеры почувствовали вызов растущему экспорту менее дорогой немецкой мебели. В 1911 году SAD предложила провести новую крупную международную выставку декоративного искусства в 1912 году. Никакие копии старых стилей не будут разрешены, только современные работы. Выставка была отложена до 1914 года; а затем, из-за войны, до 1925 года, когда она дала название целому семейству стилей, известных как «Деко».

Кресло Эмиля-Жака Рульмана (1914), сейчас находится в Музее Орсе, Париж

Леди с пантерой работы Жоржа Барбье для Луи Картье (1914). На открытке, заказанной Cartier, изображена женщина в платье Поля Пуаре.

Стол и стулья от Мориса Дюфрена и ковер от Поля Фолло в Салоне декораторов 1912 года

Парижские универмаги и модельеры также сыграли важную роль в расцвете ар-деко. Известные компании, такие как компания по производству столового серебра Christofle, дизайнер по стеклу Рене Лалик и ювелиры Луи Картье и Бушерон, начали разрабатывать изделия в более современных стилях. Начиная с 1900 года универмаги нанимали художников-декораторов для работы в своих дизайнерских студиях. Оформление в 1912 году Осеннего салона было поручено универмагу Printemps, и в том же году он создал собственную мастерскую, Primavera. К 1920 году в Primavera работало более 300 художников, стили которых варьировались от обновленных версий Louis XIV, Louis XVI, и особенно мебели Louis Philippe производства Луи Сюэ и Primavera мастерская, переходящая к более современным формам из мастерской универмага Au Louvre. Другие дизайнеры, включая Эмиля-Жака Рульмана и Поля Фолло, отказались от массового производства, настаивая на том, чтобы каждое изделие изготавливалось индивидуально. В раннем стиле ар-деко использовались роскошные и экзотические материалы, такие как черное дерево, слоновая кость и шелк, очень яркие цвета и стилизованные мотивы, особенно корзины и букеты цветов всех цветов, придававшие модернистский вид.

Salon d’Automne (1903–1914)

При своем рождении между 1910 и 1914 годами арт-деко представлял собой взрыв красок с яркими и часто конфликтующими оттенками, часто в цветочных узорах, представленных в обивке мебели, коврах, ширмах, обоях и тканях. Множество ярких работ, в том числе стулья и стол Мориса Дюфрена и яркий гобеленовый ковер Поля Фолло, были представлены на Салоне художников-декораторов 1912 года. В 1912-1913 годах дизайнер Адриан Карбовски изготовил цветочное кресло с рисунком попугая для охотничьего домика коллекционера произведений искусства Жака Дусе. Дизайнеры мебели Луи Сюэ и Андре Маре впервые появились на выставке 1912 года под названием Французское ателье, сочетая полихромные ткани с экзотическими и дорогими материалами, включая черное дерево и слоновую кость. После Первой мировой войны они стали одной из самых известных французских фирм по дизайну интерьеров, производя мебель для первоклассных салонов и кают французских трансатлантических океанских лайнеров.

Выставка мебели раннего ар-деко от Французского ателье в осеннем салоне 1913 года из журнала Art et décoration (1914)

Кресло в стиле ар-деко, изготовленное для коллекционера произведений искусства Жака Дусе (1912-13)

Декорации к балету Николая Римского-Корсакова «Шехеразада» Леона Бакста (1910)

Яркие оттенки ар-деко почерпнуты из многих источников, в том числе из экзотических декораций Леона Бакста для Русских балетов, которые вызвали сенсацию в Париже незадолго до Первой мировой войны. Некоторые цвета были вдохновлены более ранним движением фовизма, возглавляемым Анри Матиссом; другие — орфизмом таких художников, как Соня Делоне; другие — движением, известным как Les Nabis, и в работах художника-символиста Одилона Редон, который проектировал каминные экраны и другие декоративные предметы. Яркие оттенки были характерной чертой творчества модельера Поля Пуаре, чьи работы повлияли как на моду в стиле ар-деко, так и на дизайн интерьера.

Théâtre des Champs-Élysées (1910–1913)

Театр Елисейских полей (1910-1913) Огюста Перре был первым знаковым зданием в стиле ар-деко, построенным в Париже. Ранее железобетон использовался только для промышленных и многоквартирных домов, Перре построил первый современный железобетонный жилой дом в Париже на улице Бенджамина Франклина в 1903-04 годах. Анри Соваж, еще один важный будущий архитектор в стиле ар-деко, построил еще один в 1904 году по адресу 7, rue Trétaigne (1904). С 1908 по 1910 год 21-летний Ле Корбюзье работал чертежником в офисе Перре, изучая технику бетонного строительства. Здание Перре имело четкую прямоугольную форму, геометрический декор и прямые линии, будущие торговые марки ар-деко. Декор театра также был революционным; фасад был украшен горельефами работы Антуана Бурделя, куполом работы Мориса Дени, картинами Эдуарда Вюйяра и занавесом в стиле ар-деко работы Кер-Ксавье Русселя. Театр стал местом проведения многих первых представлений Русских балетов. Перре и Соваж стали ведущими архитекторами ар-деко в Париже в 1920-х годах.

Аполлон и окружение 9 муз (Аполлон и его медитация в окружении 9 муз), барельеф на фасаде Театра Елисейских полей работы Бурделя (1910-1912). Эта работа представляет собой один из самых ранних примеров того, что стало известно как скульптура в стиле ар-деко.

Купол театра с розами в стиле ар-деко от Мориса Дени

Интерьер театра Елисейских полей с барельефами Бурделя над сценой

La Danse, bas-relief on the façade of the Théâtre des Champs-Élysées by Antoine Bourdelle (1912)

Théâtre des Champs-Élysées by Auguste Perret at 15, avenue Montaigne, Paris (1910–1913). Железобетон дал архитекторам возможность создавать новые формы и большие пространства.

Кубизм

Художественное движение, известное как кубизм, появилось во Франции между 1907 и 1912 годами, оказав влияние на развитие ар-деко. В «Полное руководство по декоративному искусству 1920-х и 1930-х годов» Аластер Дункан пишет: «Кубизм, в той или иной искаженной форме, стал языком общения художников-декораторов той эпохи». Кубисты, сами находившиеся под влиянием Поля Сезанна, были заинтересованы в упрощении форм до их геометрических основ: цилиндра, сферы, конуса.

В 1912 году художники Section d’Or выставили работы, значительно более доступные для широкой публики, чем аналитический кубизм Пикассо и Брака. Кубистическая лексика была готова привлечь дизайнеров моды, мебели и интерьера.

Вилла в стиле кубизма на улице Либушина 3-49, Вышеград (Прага), автор Йозеф Чохол (1912-13). Чохол был одним из трех чешских архитекторов (членов Союза изящных искусств Манеса), вместе с Павлом Янаком и Йозефом Гочаром, испытавших влияние кубизма.

Дизайн фасада Дома кубистов (Дом кубистов) Раймона Дюшана-Вийона (1912)

Деталь входа в Дом кубистов в Осеннем салоне 1912 года

Буржуазный салон, спроектированный Андре Маре внутри Дома кубистов, в отделе декоративного искусства Осеннего салона 1912 года. Картину Метцингера «Femme à l’Éventail» можно увидеть висящей на левой стене.

В разделе Art Décoratif Осеннего салона 1912 года была выставлена архитектурная инсталляция, известная как Дом кубиста. Фасад был спроектирован Раймоном Дюшан-Вийоном. Декор дома выполнен Андре Маре. Дом кубиста представлял собой меблированную инсталляцию с фасадом, лестницей, перилами из кованого железа, спальней, гостиной — Буржуазный салон, где были развешаны картины Альбера Глейза, Жана Метцингера, Мари Лоренсен, Марселя Дюшана, Фернана Леже и Роже де Ла Фресне. Тысячи зрителей в салоне осмотрели полномасштабную модель.

Фасад дома, спроектированного Дюшан-Вийоном, был не очень радикальным по современным стандартам; перемычки и фронтоны имели призматические формы, но в остальном фасад напоминал обычный дом того периода. Для двух комнат Мар разработал обои со стилизованными розами и цветочными узорами, а также обивку мебели и ковры, все с яркими мотивами. Это был явный отход от традиционного декора. Критик Эмиль Седейн описал работы Маре в журнале «Искусство и декор»: «Он не стесняется простоты, потому что выращивает цветы везде, где их можно поставить. Очевидно, что эффект, к которому он стремится, заключается в живописности и веселости. Он добивается этого «.Элемент кубизма был заложен в картинах. Некоторые критики критиковали инсталляцию как чрезвычайно радикальную, что способствовало ее успеху. Впоследствии эта архитектурная инсталляция была выставлена на Оружейной выставке 1913 года в Нью-Йорке, Чикаго и Бостоне.  Во многом благодаря выставке термин «кубизм» стал применяться ко всему современному, от женских причесок до одежды и театральных представлений «.

Влияние кубизма продолжалось в ар-деко, даже когда Деко разветвлялось во многих других направлениях.

Обозначенная геометрия кубизма стала общепринятой монетой в 1920-х годах. Развитие в ар-деко выборочной геометрии кубизма в более широкий спектр форм сделало кубизм как изобразительную таксономию гораздо более широкой аудиторией и привлекательной. (Ричард Харрисон Мартин, Музей Метрополитен)

Влияние

Европейские стили до Первой мировой войны

Влияние ар–нуво — извилистые изгибы на фасаде авеню Монтень № 26, Париж, работы Луи Дюайона и Марселя Жюльена (1937)

Модерн – Отель Гимар (авеню Моцарта № 122), Париж, автор Гектор Гимар (1909)

Влияние неоклассики – Прометей, стилизованное обновление классической скульптуры в стиле ар-деко, работы Пола Мэншипа (1936), позолоченная бронза, Рокфеллеровский центр, Нью-Йорк

Неоклассицизм – Меркурий или Торговля, Огюстен Паджу (1780), мрамор, Лувр, Париж

Влияние стиля Людовика XVI – Туалетный столик и стулья Поля Фолло (1919), инкрустированные мрамором и деревом, покрытые лаком и позолотой, Музей современного искусства Парижа

Стиль Людовика XVI – Угловой столик, Жан-Франсуа-Тереза Шалгрин (1770), позолоченное дерево, Галерея искусств Коркорана, Вашингтон, Округ Колумбия

Влияние изящных искусств – Версальский проспект № 70-72, Париж, «Современный» декор в установленной типологии, разработанный Полем Делапласом и вылепленный Жаном Буше (1928)

Архитектура изящных искусств – бульвар Дидро № 21, Париж, неизвестный архитектор (ок. 1910)

Рококо – Комод, работы Жака Дюбуа (1750-1755), различные породы дерева и позолоченные бронзовые крепления, поместье Уоддесдон, Бакингемшир, Великобритания

Влияние русских балетов – Рисунок танцовщика Вацлава Нижинского, работы парижского художника-модельера Жоржа Барбье (1913)

Влияние рококо – Комод, работы Поля Ирибарна Гарая (ок. 1912), рама из красного дерева и тюльпанового дерева, шиферная столешница, шагреневая обивка зеленого цвета, ручки из черного дерева, основание и гирлянды, Музей декоративных искусств, Париж

Арт-деко был не единым стилем, а совокупностью различных, иногда противоречивых стилей. В архитектуре арт-деко был преемником (и реакцией против) Ар-нуво, стиль, который процветал в Европе между 1895 и 1900 годами и сосуществовал с изящными искусствами и неоклассикой, которые преобладали в европейской и американской архитектуре. В 1905 году Эжен Грассе написал и опубликовал Метод декоративной композиции «Элементы прямых линий»,  в котором он систематически исследовал декоративные аспекты геометрических элементов, форм, мотивов и их вариаций в отличие от волнообразного стиля модерн Эктора Гимара, столь популярного в Париже несколькими годами ранее (и как отход от него). Грассе подчеркнул принцип, согласно которому различные простые геометрические формы, такие как треугольники и квадраты, являются основой всех композиционных решений. Железобетонные здания Огюста Перре и Анри Соважа, и особенно Театр Елисейских полей, предложили новую форму строительства и декора, которая была скопирована во всем мире.

Древние и неевропейские цивилизации

Влияние Африки к югу от Сахары — Зима 1930 года, Леон Бениньи, холст, масло, частная коллекция

Африканский субсахарский (в данном случае произведенный в Королевстве Куба на территории современной Демократической Республики Конго) — Ндоп короля Мише Мишьянга Мамбула (1760-1780), вуд, Бруклинский музей, Нью-Йорк

Влияние доколумбовой эпохи (в данном случае майя) — деталь интерьера Саттер–стрит, 450 в Сан-Франциско, Калифорния, работы Тимоти Л. Пфлюгера (1929)

Доколумбовое искусство (в данном случае майя) — Якшиланская перемычка 24 (702 г. н.э.), известняк, Британский музей, Лондон

Влияние месопотамии – Здание Western Union (Гудзон-стрит № 60) в Нью-Йорке, работы Вурхиса, Гмелина и Уокера (1928-1930)

Месопотамское искусство – Зиккурат Ура в Телль-эль-Мукайяре, провинция Ди-Кар, Ирак, неизвестный архитектор (21 век до н.э.)

Египетское влияние – Платье с цветами лотоса, вдохновленное древнеегипетским декором, от Дженни (кутюрье) и Лесажа (вышивальщицы) (1925), шелк, металлическая нить и вышивка крючком, Музей Галлиера, Париж

Древнеегипетское искусство – Растительные капители во дворе храма Исиды, Филы, Египет, неизвестный архитектор (380 г. до н.э.–117 г. н.э.)

В отделке арт-Деко заимствовал и использовал множество различных стилей. Они включали в себя до современное искусство со всего мира, которое можно увидеть в Музее Лувра, Музее человека и Национальном музее искусств Африки и Океании. Также был популярен интерес к археологии из-за раскопок в Помпеях, Трое и гробнице фараона 18-й династии Тутанхамона. Художники и дизайнеры объединили мотивы из древнего Египта, Африки, Месопотамии, Греции, Рима, Азии, Мезоамерики и Океании с элементами машинного века.

Авангардные движения начала 20 века

Влияние экспрессионизма в архитектуре – универмаг Aux Trois-Quartiers в Париже, автор Луи Фор-Дюжаррик (1932)

Архитектура экспрессионизма – Здание типографии Рудольфа Моссе в Berlin автор Erich Mendelsohn (1921–1923)

Влияние футуризма – Улица Лаос № 25 в Париже, Чарльз Томас (1930)

Футуризм – Лестничный дом с лифтами на четырех уровнях улицы, часть La Città Nuova, Антонио Сант’Элиа (1914), тушь и карандаш на бумаге, Гражданский музей, Комо, Италия

Влияние экспрессионистского театра и кино – Интерьер театра Аполлон Виктория в Лондоне, автор Эрнест Уомсли Льюис (1928-1930)

Экспрессионистский театр и кино – Сцена из Метрополиса, Фриц Ланг (1927)

Влияние конструктивизма – Часы, украшенные плоскими геометрическими формами, работы Жана Гулдена (1928), посеребренная бронза с эмалью, коллекция Стивена Э. Келли

Конструктивизм – Бей белых красными клиньями, Эль Лисицкий (1919-1920), литографический плакат, Российская государственная библиотека, Москва

Влияние кубизма – Кофейный сервиз кубической формы, работы Эрика Магнуссена (1927), серебро, на временной выставке под названием «Век джаза» в Художественном музее Кливленда, США

Кубизм – Фигура танцующей женщины (сидящая обнаженная, Femme nue assise), Пабло Пикассо (1909-10), холст, масло, Тейт Модерн, Лондон

Влияние стиля – Павильон туризма, Роберт Маллет-Стивенс, Международная выставка современного декоративного и промышленного искусства, Париж (1925)

Дом Де Штиля – Ритвельда Шредера в Утрехте, Нидерланды, Геррит Ритвельд (1924)

Влияние примитивизма – Бюст для витрины магазина, анонимный бельгийский художник (ок. 1920), расписан папье-маше, частная коллекция, Кельн, Германия

Примитивизм – Голова женщины, Амедео Модильяни (1910-11), известняк, Национальная художественная галерея, Вашингтон, Округ Колумбия

Другие заимствованные стили включали футуризм, орфизм, функционализм и модернизм в целом. Кубизм раскрывает свой декоративный потенциал в эстетике ар-деко, когда переносится с холста на текстиль или обои. Соня Делоне представляет свои модели одежды в абстрактном и геометрическом стиле, «как живые картины или скульптуры живых форм». Кубистический дизайн создан Луи Барриле в витражах американского бара в казино Atrium в Даксе (1926), но также включает названия модных коктейлей. В архитектуре четкий контраст между горизонтальными и вертикальными объемами, характерный как для русского конструктивизма, так и для линии Фрэнка Ллойда Райта-Виллема Маринуса Дудока, становится обычным приемом при оформлении фасадов в стиле ар-деко, от отдельных домов и многоквартирных домов до кинотеатров или заправочных станций. В ар-деко также использовались контрастирующие цвета и узоры фовизма, особенно в работах Анри Матисса и Андре Дерена, вдохновляли дизайн текстиля, обоев и расписной керамики в стиле ар-деко. В нем были использованы идеи из лексики высокой моды того периода, которые включали геометрические узоры, шевроны, зигзаги и стилизованные букеты цветов. На него повлияли открытия в египтологии и растущий интерес к Востоку и африканскому искусству. Начиная с 1925 года, его часто вдохновляла страсть к новым машинам, таким как дирижабли, автомобили и океанские лайнеры, и к 1930 году это влияние привело к появлению стиля под названием Streamline Moderne.

Международная выставка современного декоративного и промышленного искусства (1925)

Салон отеля Hôtel du Collectionneur, обставленный Эмилем-Жаком Рульманом, картина Жана Дюпа, дизайн Пьера Пату

Павильон универмага Galeries Lafayette

Польский павильон, спроектированный Юзефом Чайковским и Войцехом Ястшембовским

Вход на выставку 1925 года с площади Согласия Пьера Пату

Открытка с Международной выставки современного декоративного и промышленного искусства в Париже (1925)

Событием, ознаменовавшим расцвет стиля и давшим ему название, стала Международная выставка современного декоративного и промышленного искусства, которая проходила в Париже с апреля по октябрь 1925 года. Это было официально спонсировано правительством Франции и охватывало участок в Париже площадью 55 акров, простирающийся от Гран-Пале на правом берегу до Дома инвалидов на левом берегу и вдоль берегов Сены. Гран-Пале, самый большой зал в городе, был заполнен экспонатами декоративно-прикладного искусства из стран-участниц. В выставке приняли участие 15 000 экспонентов из двадцати разных стран, включая Австрию, Бельгию, Чехословакию, Данию, Великобританию, Италию, Японию, Нидерланды, Польшу, Испанию, Швецию и новый Советский Союз. Германия не была приглашена из-за напряженности после войны; Соединенные Штаты, неправильно поняв цель выставки, отказались от участия. За семь месяцев мероприятие посетили шестнадцать миллионов человек. Правила выставки требовали, чтобы все работы были современными; никакие исторические стили не допускались. Основной целью Выставки было продвижение французских производителей роскошной мебели, фарфора, стекла, металлоконструкций, текстиля и других декоративных изделий. Для дальнейшего продвижения продукции все крупные парижские универмаги и ведущие дизайнеры имели свои собственные павильоны. Экспозиция имела второстепенную цель — продвигать товары из французских колоний в Африке и Азии, включая слоновую кость и экзотические породы дерева.

Отель Hôtel du Collectionneur был популярной достопримечательностью экспозиции; здесь были представлены новые дизайны мебели Эмиля-Жака Рульмана, а также ткани, ковры в стиле ар-деко и картина Жана Дюпа. В дизайне интерьера использовались те же принципы симметрии и геометрических форм, которые отличают его от ар-нуво, и яркие цвета, тонкое мастерство изготовления, редкие и дорогие материалы, которые отличают его от строгой функциональности стиля модерн. В то время как большинство павильонов были богато украшены и заполнены роскошной мебелью ручной работы, два павильона, Советский Союз и павильон L’Esprit Nouveau, построенный одноименным журналом Ле Корбюзье, были построены в строгом стиле с простыми белыми стенами и без украшений; они были одними из самых ранних образцов модернистской архитектуры.

Поздний арт-деко

 

Площадь Сфантул Штефан № 1 в Бухаресте, работы неизвестного архитектора (ок. 1930)

Церковь Святого Иоанна Крестителя в Моленбеке (Брюссель), Джозеф Дионгре (1930-1932)

Театр Линкольна в Майами-Бич, Флорида автор Томас У. Лэмб (1936)

Palais de Chaillot в Париж Автор: Луи-Ипполит Буало, Jacques Carlu и Léon Azéma из 1937 Парижской Международной Выставке

Лестница Экономического и социального совета в Париже, первоначально Музей общественных работ, построенный для выставки 1937 года Огюстом Перре (1937)

Средняя школа в Кинг-Сити, Калифорния, построенная Робертом Стэнтоном для Управления выполнения работ (1939)

В 1925 году в ар-деко сосуществовали две разные конкурирующие школы: традиционалисты, основавшие Общество художников-декораторов; в их число входили дизайнер мебели Эмиль-Жак Рульман, Жан Дюнан, скульптор Антуан Бурдель и дизайнер Поль Пуаре; они сочетали современные формы с традиционным мастерством и дорогими материалами. С другой стороны, были модернисты, которые все больше отвергали прошлое и хотели стиля, основанного на достижениях новых технологий, простоте, отсутствии декора, недорогих материалах и массовом производстве. Модернисты основали свою собственную организацию, Французский союз современных художников, в 1929 году. В его состав входили архитекторы Пьер Шаро, Фрэнсис Журден, Роберт Малле-Стивенс, Корбюзье, а в Советском Союзе — Константин Мельников; ирландский дизайнер Эйлин Грей; французский дизайнер Соня Делоне; и ювелиры Жорж Фуке и Жан Пюифорко. Они яростно атаковали традиционный стиль ар-деко, который, по их словам, был создан только для богатых, и настаивали на том, что хорошо построенные здания должны быть доступны каждому, и что форма должна соответствовать функции. Красота предмета или здания заключалась в том, идеально ли оно подходило для выполнения своей функции. Современные промышленные методы означали, что мебель и здания могли производиться массово, а не вручную.

Дизайнер интерьера в стиле ар-деко Пол Фоллот защищал арт-деко следующим образом: «Мы знаем, что человек никогда не довольствуется необходимым и что лишнее всегда необходимо…В противном случае нам пришлось бы избавиться от музыки, цветов и парфюмерии ..!» Однако Ле Корбюзье был блестящим публицистом модернистской архитектуры; он заявил, что дом — это просто «машина для жизни», и неустанно продвигал идею о том, что арт-деко — это прошлое, а модернизм — будущее. Идеи Ле Корбюзье постепенно переняли архитектурные школы, и от эстетики ар-деко отказались. Те же особенности, которые сделали арт-деко популярным вначале, его мастерство, богатые материалы и орнамент, привели к его упадку. Великая депрессия, начавшаяся в Соединенных Штатах в 1929 году и вскоре после этого достигшая Европы, значительно сократила число богатых клиентов, которые могли заплатить за мебель и предметы искусства. В условиях экономической депрессии лишь немногие компании были готовы строить новые небоскребы. Даже фирма Ruhlmann прибегала к серийному производству предметов мебели, а не к индивидуальным изделиям ручной работы. Последними зданиями, построенными в Париже в новом стиле, были Музей общественных работ Огюста Перре (ныне Французский экономический, социальный и экологический совет), Дворец Шайо Луи-Ипполита Буало, Жака Карлу и Леона Азема и Токийский дворец на Парижской международной выставке 1937 года; они выходили окнами на грандиозный павильон нацистской Германии, спроектированный Альбертом Шпеером, который стоял напротив не менее грандиозного павильона Сталина в стиле соцреализма. это Советский Союз.

После Второй мировой войны доминирующим архитектурным стилем стал Международный стиль, пионерами которого были Ле Корбюзье и Мис ван дер Роэ. Несколько отелей в стиле ар-деко были построены в Майами-Бич после Второй мировой войны, но в других местах стиль в значительной степени исчез, за исключением промышленного дизайна, где он продолжал использоваться в дизайне автомобилей и таких продуктах, как музыкальные автоматы. В 1960-х годах он пережил скромное академическое возрождение, отчасти благодаря трудам историков архитектуры, таких как Бевис Хиллиер. В 1970-х годах в Соединенных Штатах и Европе предпринимались усилия по сохранению лучших образцов архитектуры ар-деко, и многие здания были отреставрированы и перепрофилированы. Архитектура постмодерна, впервые появившаяся в 1980-х годах, как и арт-деко, часто включает в себя чисто декоративные элементы. Деко продолжает вдохновлять дизайнеров и часто используется в современной моде, украшениях и туалетных принадлежностях.

Покраска

Деталь времени, фреска на потолке в вестибюле Рокфеллер Плаза, 30 в Нью-Йорке, автор Хосеп Мария Серт (1941)

Искусство в тропиках, фреска в федеральном здании Уильяма Джефферсона Клинтона, Вашингтон, округ Колумбия, работы Рокуэлла Кента (1938)

Рабочие сортируют почту, фреска в федеральном здании Ариэля Риоса, Вашингтон, округ Колумбия, работы Реджинальда Марша (1936)

На выставке 1925 года не было раздела, отведенного для живописи. Живопись в стиле ар-деко по определению была декоративной, предназначенной для украшения комнаты или произведения архитектуры, поэтому мало кто из художников работал исключительно в этом стиле, но два художника тесно связаны с ар-деко. Жан Дюпа нарисовал фрески в стиле ар-деко для павильона Бордо на выставке декоративного искусства 1925 года в Париже, а также нарисовал картину над камином на выставке Maison du Collectionneur на выставке 1925 года, на которой была представлена мебель Рульмана и других выдающихся дизайнеров в стиле ар-деко. Его фрески также занимали видное место в декоре французского океанского лайнера SS Normandie. Его работы были чисто декоративными, выполненными в качестве фона или сопровождения к другим элементам декора.

Другой художницей, тесно связанной с этим стилем, является Тамара де Лемпицка. Родившаяся в Польше, она эмигрировала в Париж после Русской революции. Она училась у Мориса Дени и Андре Лота и позаимствовала многие элементы из их стилей. Она писала портреты в реалистичном, динамичном и красочном стиле ар-деко.

В 1930-х годах в Соединенных Штатах появилась совершенно новая форма живописи в стиле ар-деко. Во время Великой депрессии Федеральный художественный проект Управления прогресса работ был создан для предоставления работы безработным художникам. Многим было поручено украшать правительственные здания, больницы и школы. Во фресках не использовался конкретный стиль ар-деко; художники, занимавшиеся росписью фресок в правительственных зданиях, представляли множество разных школ, от американского регионализма до социального реализма; среди них были Реджинальд Марш, Рокуэлл Кент и мексиканский художник Диего Ривера. Фрески были в стиле ар-деко, потому что все они были декоративными и были связаны с деятельностью в здании или городе, где они были нарисованы: Реджинальд Марш и Рокуэлл Кент украшали здания почты США и изображали почтовых служащих за работой, в то время как Диего Ривера изображал рабочих автомобильного завода для Детройтского института искусств. Фреска Диего Риверы «Человек на перекрестке» (1933) для Рокфеллер Плаза, 30 с несанкционированным портретом Ленина. Когда Ривера отказался убрать Ленина, картина была уничтожена, а новую фреску написал испанский художник Хосеп Мария Серт.

Скульптура

Монументальная и общественная скульптура

Человек, контролирующий торговлю в Здание Федеральной торговой комиссии в Вашингтон, округ Колумбия. автор Майкл Ланц (1942)

Доставка почты на Восток, одна из четырех скульптур-барельефов на федеральном здании Никс в Филадельфии, Пенсильвания, работы Эдмонда Аматейса (1937)

Атлас, бронзовая скульптура перед Рокфеллеровским центром, автор Лоури (1936-37)

Польский герб (неофициальный) на фасаде почтового отделения в Варшаве, автор Юлиан Путерман-Садловски (1934)

Мудрость, украшение портала в Рокфеллеровском центре в Нью-Йорке, автор Ли Лори (1933)

Дух света или Дух силы, металлическая скульптура на фасаде здания Niagara Mohawk в Сиракузах, Нью-Йорк, работы Клейтона Фрая (1932)

Великобритания, рельефная скульптура в вестибюле бывшего здания Daily Express в Лондоне, автор Рональд Аткинсон (1932)

Стражи дорожного движения, пилон на Мемориальном мосту Хоуп в Кливленде, Огайо, работы Генри Геринга и Фрэнка Уокера (1932)

Скульптура «Христос-Искупитель» из железобетона и мыльного камня на горе Корковадо, Рио-де-Жанейро, работы Пола Ландовски (1931)

Золотая деталь на фасаде мюзик-холла кабаре «Фоли-Бержер» в Париже, Морис Пико (1926) Золотая деталь на фасаде Фоли-Бержер кабаре мюзик-холл в Париже, Морис Пико (1926)

Скульптура была очень распространенной и неотъемлемой чертой архитектуры в стиле ар-деко. Во Франции аллегорические барельефы, изображающие танец и музыку Антуана Бурделя, украсили самую раннюю достопримечательность Парижа в стиле ар-деко, Театр Елисейских полей, в 1912 году. На выставке 1925 года по всему участку были размещены крупные скульптурные произведения, павильоны были украшены скульптурными фризами, а несколько павильонов были посвящены небольшой студийной скульптуре. В 1930-х годах большая группа выдающихся скульпторов создала работы для Международной выставки искусств и техник современной жизни 1937 года в Шайо. Альфред Жанниот создал рельефные скульптуры на фасаде Токийского дворца. Музей современного искусства Парижской столицы и эспланада перед дворцом Шайо, обращенная к Эйфелевой башне, были заставлены новыми скульптурами Чарльза Малфрея, Генри Арнольда и многих других.

Публичная скульптура в стиле ар-деко почти всегда была репрезентативной, обычно в виде героических или аллегорических фигур, связанных с назначением здания или помещения. Темы обычно выбирались посетителями, а не художником. Абстрактная скульптура для украшения была чрезвычайно редкой.

В Соединенных Штатах самым выдающимся скульптором публичного искусства в стиле ар-деко был Пол Мэншип, который обновил классические и мифологические сюжеты в стиле ар-деко. Его самой известной работой была статуя Прометея в Рокфеллеровском центре в Нью-Йорке, экранизация классического сюжета 20 века. Другие важные работы для Рокфеллеровского центра были выполнены Ли Лори, включая скульптурный фасад и статую Атласа.

Во время Великой депрессии в Соединенных Штатах многим скульпторам было поручено выполнить работы для украшения зданий федерального правительства на средства, предоставленные WPA, или Администрацией выполнения работ. Среди них был скульптор Сидни Билер Во, который создал стилизованные и идеализированные изображения рабочих и их задач для административных зданий федерального правительства. В Сан-Франциско Ральф Стэкпол предоставил скульптуру для фасада нового здания Фондовой биржи Сан-Франциско. В Вашингтоне, округ Колумбия, Майкл Ланц выполнял работы для здания Федеральной торговой комиссии.

В Великобритании общественная скульптура в стиле деко была изготовлена Эриком Гиллом для Дома вещания Би-би-си, в то время как Рональд Аткинсон украсил вестибюль бывшего здания Daily Express в Лондоне (1932).

Одной из самых известных и, безусловно, крупнейшей публичной скульптуры в стиле ар-деко является Христос-Искупитель работы французского скульптора Поля Ландовски, выполненной между 1922 и 1931 годами и расположенной на вершине горы с видом на Рио-де-Жанейро, Бразилия.

Студийная скульптура

Танцор (Танцовщица), бронза и слоновая кость, работы Чипаруса (ок. 1925)

Танара (Девушка), бронза, слоновая кость и оникс, Деметре Чипарус (ок. 1925)

Полет Европы, бронза с позолотой, Пол Мэншип (1925), Музей американского искусства Уитни, Нью-Йорк

Скорость, дизайн украшения радиатора от Харриет Уитни Фришмут (1925)

«Актеон» работы Пола Мэншипа (1925) на временной выставке под названием «Эпоха джаза» в Художественном музее Кливленда, США

Охотник Пьера Ле Фагуа (1920-е)

Тет-а-тет (вид спереди и сбоку), известняк, Джозеф Чаки (ок. 1920), музей Креллера-Мюллера, Оттерло, Нидерланды

Многие ранние скульптуры в стиле ар-деко были небольшими и предназначались для украшения салонов. Один из жанров этой скульптуры назывался Хризелефантиновая статуэтка, названная в честь стиля древнегреческих храмовых статуй из золота и слоновой кости. Иногда они изготавливались из бронзы, а иногда из гораздо более роскошных материалов, таких как слоновая кость, оникс, алебастр и сусальное золото.

Одним из самых известных салонных скульпторов в стиле ар-деко был уроженец Румынии Деметре Чипарус, который создавал красочные маленькие скульптуры танцоров. Среди других известных скульпторов салона были Фердинанд Прейсс, Йозеф Лоренцль, Александр Келети, Доротея Шароль и Густав Шмидткассель. Другим важным американским скульптором студийного формата была Харриет Уитни Фришмут, которая училась у Огюста Родена в Париже.

Пьер Ле Пагуа был выдающимся скульптором студии ар-деко, чьи работы были показаны на выставке 1925 года. Он работал с бронзой, мрамором, слоновой костью, ониксом, золотом, алебастром и другими драгоценными материалами.

Франсуа Помпон был пионером современной стилизованной анималистической скульптуры. Его художественные достижения не были полностью признаны до 67 лет на Осеннем салоне 1922 года с работой «Наш Бланк», также известной как «Белый медведь», которая сейчас находится в Музее Орсе в Париже.

Параллельно с этими скульпторами в стиле ар-деко в Париже и Нью-Йорке работали другие скульпторы-авангардисты и абстрактные модернисты. Наиболее известными были Константин Бранкузи, Джозеф Чаки, Александр Архипенко, Анри Лоранс, Жак Липшиц, Гюстав Миклош, Жан Ламбер-Руки, Ян и Жоэль Мартель, Чана Орлофф и Пабло Гаргалло.

Графика

Обложка «Шута» из «Колумбии», без атрибуции (1931)

Мулен Руж плакат Шарля Жезмара (1925)

Постер Лондонского метрополитена работы Горация Тейлора (1924)

Обложка Harper’s Bazaar от Эрте (1922)

Интерпретация «Гарлем Джаз I» Вайнольда Рейсса (ок. 1920)

Обложка «Ярмарки тщеславия» Жоржа Лепапа (1919)

Немецкий Веркбунд выставочный плакат Питера Беренса (1914)

Дизайн программы для «Дня фавна» Леона Бакста для «Русских балетов» (1912)

Стиль ар-деко появился в графическом искусстве рано, незадолго до Первой мировой войны. Он появился в Париже на плакатах и эскизах костюмов Леона Бакста для «Русских балетов», а также в каталогах модельеров Поля Пуаре. Иллюстрации Жоржа Барбье и Жоржа Лепапа, а также изображения в модном журнале La Gazette du bon ton прекрасно передали элегантность и чувственность стиля. В 1920-х годах внешний вид изменился; подчеркивалась более повседневная, спортивная и смелая мода, при этом женщины-модели обычно курили сигареты. Американские журналы мод, такие как Vogue, Vanity Fair и Harper’s Bazaar, быстро подхватили новый стиль и популяризировали его в Соединенных Штатах. Это также повлияло на творчество американских книжных иллюстраторов, таких как Рокуэлл Кент. В Германии самым известным художником-плакатистом того периода был Людвиг Хольвейн, который создавал красочные и эффектные плакаты для музыкальных фестивалей, пива и, в конце своей карьеры, для нацистской партии.

В период ар-нуво плакаты обычно рекламировали театральную продукцию или кабаре. В 1920-х годах чрезвычайно популярными стали туристические плакаты, сделанные для пароходных линий и авиакомпаний. Стиль заметно изменился в 1920-х годах, чтобы привлечь внимание к рекламируемому продукту. Изображения стали проще, точнее, линейнее, динамичнее и часто размещались на одноцветном фоне. Во Франции популярными дизайнерами в стиле ар-деко были Шарль Лупо и Пол Колин, который прославился своими плакатами с изображением американской певицы и танцовщицы Джозефин Бейкер. Жан Карлу разрабатывал плакаты для фильмов Чарли Чаплина, сериалов и театров; в конце 1930-х годов он эмигрировал в Соединенные Штаты, где во время мировой войны разрабатывал плакаты, поощряющие военное производство. Дизайнер Шарль Жезмар прославился созданием плакатов для певицы Мистингуэтт и для Air France. Среди самых известных французских дизайнеров плакатов в стиле ар-деко был Кассандр, который создал знаменитый плакат с изображением океанского лайнера SS Нормандия в 1935 году.

В 1930-х годах в Соединенных Штатах во время Великой депрессии появился новый жанр плакатов. Федеральный художественный проект нанял американских художников для создания плакатов для продвижения туризма и культурных мероприятий.

Архитектура

Станция метро Маяковская в Москва Автор: Алексей Душкин (1936)

Здание Национального сейма в Токио по проекту Ватанабэ Фукудзо (1936)

Церковь Святой Жанны д’Арк в Ницце, Франция, работы Жака Дроза (1934)

Терминал Цинциннати Юнион в Цинциннати, Огайо автор Альфред Т. Феллхаймер и Роланд А. Ванк (1933)

Вход на виллу Эмпейн в Икселле (Брюссель) Мишеля Полака (1930-1934)

Вход в здание Восточной Колумбии в Лос-Анджелесе, Калифорния, работы Клода Билмана (1930)

Сити Холл Лос-Анджелес Автор: Джон Паркинсон, Джон К. Остин и Альберт К. Мартин — старший . (1928)

Универмаг «Самаритянка» в Париже работы Анри Соважа (1925-1928)

Стили

Архитектурный стиль ар-деко дебютировал в Париже в 1903-04 годах, когда в Париже были построены два многоквартирных дома, один по проекту Огюста Перре на улице Бенджамина Франклина, а другой — по проекту Анри Соважа на улице Трет-Эн. Два молодых архитектора впервые использовали железобетон в жилых зданиях Парижа; у новых зданий были четкие линии, прямоугольные формы и никаких украшений на фасадах; они ознаменовали полный разрыв со стилем модерн. Между 1910 и 1913 годами Перре использовал свой опыт в строительстве многоквартирных домов из бетона для строительства Театра на Елисейских полях, 15, авеню Монтень. Между 1925 и 1928 годами Соваж построил новый фасад в стиле ар-деко универмага La Samaritaine в Париже.

Стиль ар-деко не ограничивался зданиями на суше; океанский лайнер SS Normandie, первый рейс которого состоялся в 1935 году, отличался дизайном в стиле ар-деко, включая столовую, потолок и отделка которой были сделаны из стекла Лалик.

Архитектуру ар-деко иногда подразделяют на три типа: зигзагообразный модерн (он же джаз модерн); Классический модерн; и модернизированный модерн.

Зигзагообразный модерн

Зигзаг Модерн (он же джаз Модерн) был первым стилем, появившимся в Соединенных Штатах. «Зигзаг» относится к ступенчатому контуру небоскреба для увеличения его высоты, и в основном использовался для крупных общественных и коммерческих зданий, в частности отелей, кинотеатров, ресторанов, небоскребов и универмагов.

Классический модерн

Классический модерн имеет более изящный внешний вид и меньше украшений. Классический модерн также иногда называют PWA (Управление общественных работ) Moderne или Depression Moderne, поскольку это было предпринято PWA во время Великой депрессии.

Обтекаемый модерн

В конце 1930-х годов получила распространение новая разновидность архитектуры в стиле ар-деко; она называлась Streamline Moderne или просто Streamline, или, во Франции, Style Paquebot, или стиль океанского лайнера. Здания в этом стиле имели закругленные углы и длинные горизонтальные линии; они были построены из железобетона и почти всегда были белыми; и иногда они имели морские элементы, такие как перила и иллюминаторы, напоминающие те, что на корабле. Закругленный угол был не совсем новым; он появился в Берлине в 1923 году в Mossehaus Эриха Мендельсона, а позже в здании Гувера, промышленном комплексе в пригороде Лондона Перивале. В Соединенных Штатах он стал наиболее тесно ассоциироваться с транспортом; Streamline moderne редко встречался в офисных зданиях, но часто использовался для автобусных станций и терминалов аэропортов, таких как терминал в аэропорту Ла Гуардиа в Нью-Йорке, который обслуживал первые трансатлантические рейсы на летающих лодках PanAm Clipper; и в придорожной архитектуре, такой как заправочные станции и закусочные. В конце 1930-х годов в городах Новой Англии была произведена и установлена серия закусочных, построенных по образцу обтекаемых железнодорожных вагонов; по крайней мере, два примера сохранились до сих пор и в настоящее время являются зарегистрированными историческими зданиями.

Модернизированная церковь Модерн, Первая церковь Освобождения в Чикаго, Иллинойс, автор Уолтера Т. Бейли (1939). Башни добавлены в 1948 году.

Павильон Форда на Всемирной выставке 1939 года в Нью-Йорке

Бывший Бельгийский национальный институт радиовещания в Икселле (Брюссель) Джозефа Дионгре (1938)

Столовая в здании Гувера в Перивейле в пригороде Лондона, Уоллис, Гилберт и партнеры (1938)

Морской аэровокзал в аэропорту Ла Гуардиа (1937) был терминалом Нью-Йорка для рейсов летающих лодок Pan Am Clipper в Европу.

Пантихоокеанский зал в Лос-Анджелес, Калифорния автор Вурдеман и Бекет (1936)

Здание в стиле Пакбо или океанского лайнера, на 3, бульвар Виктор, Париж, автор Пьер Пату (1935)

Закругленный угол Дома вещания в Лондоне в морском стиле (1931)

Типы зданий

Небоскребы

Рокфеллер Плаза, 30, ныне здание Comcast, в Нью-Йорке, автор Рэймонд Худ (1933)

Корона здания General Electric (также известного как Лексингтон-авеню, 570) в Нью-Йорке от Cross & Cross (1933)

Башня в заливе в Питтсбург, Pennsylvania автор Троубридж и Ливингстон и Эдвард Меллон (1932)

Эмпайр-стейт-Билдинг в Нью-Йорке работы Шрива, Лэмба и Хармона (1931)

Крайслер-билдинг в Нью-Йорке работы Уильяма Ван Алена (1930)

Карбид Углерода Дом в Чикаго, Иллинойс автор Братья Бернем (1929)

В Американский Дом Радиатора в Нью-Йорк Автор: Рэймонд Худ (1924)

Американские небоскребы ознаменовали вершину стиля ар-деко; они стали самыми высокими и узнаваемыми современными зданиями в мире. Они были спроектированы так, чтобы показать престиж их строителей своей высотой, формой, цветом и эффектным освещением в ночное время. В Американском радиаторном здании Рэймонда Худа (1924) в дизайне здания сочетались элементы готики и модерна в стиле деко. Черный кирпич на фасаде здания (символизирующий уголь) был выбран, чтобы дать представление о солидности и придать зданию солидную массу. Другие части фасада были облицованы золотым кирпичом (символизирующим огонь), а вход был украшен мрамором и черными зеркалами. Еще одним ранним небоскребом в стиле ар-деко было детройтское здание Guardian, которое открылось в 1929 году. Здание, спроектированное модернистом Виртом К. Роуландом, было первым, в котором в качестве декоративного элемента была использована нержавеющая сталь и широко использовались цветные узоры вместо традиционных орнаментов.

Горизонт Нью-Йорка был радикально изменен Крайслер Билдинг на Манхэттене (построен в 1930 году) по проекту Уильяма Ван Алена. Это была гигантская реклама Chrysler automobiles высотой в семьдесят семь этажей. Вершину венчал шпиль из нержавеющей стали, украшенный декоративными «горгульями» в виде крышек радиатора из нержавеющей стали. Основание башни, высотой в тридцать три этажа над улицей, было украшено красочными фризами в стиле ар-деко, а вестибюль был украшен символами ар-деко и изображениями, выражающими современность.

Вскоре Крайслер-билдинг превзошел по высоте Эмпайр-стейт-билдинг работы Уильяма Ф. Лэмба (1931) в чуть менее роскошном стиле деко и здание RCA (ныне Рокфеллер-плаза, 30) Рэймонда Худа (1933), которые в совокупности полностью изменили облик Нью-Йорка. Верхушки зданий были украшены коронами и шпилями в стиле ар-деко, покрытыми нержавеющей сталью, а в случае с Крайслер-билдинг — горгульями в стиле ар-деко, выполненными по образцу орнаментов радиаторов, в то время как входы и вестибюли были щедро украшены скульптурой, керамикой и дизайном в стиле ар-деко. Подобные здания, хотя и не такие высокие, вскоре появились в Чикаго и других крупных американских городах. Рокфеллеровский центр добавил новый элемент дизайна: несколько высоких зданий, сгруппированных вокруг открытой площади с фонтаном посередине.

«Торговые соборы»

Фойе театра Тушинского в Амстердаме работы Хиджмана Луи де Йонга (1921)

Африканский салон в Дворце Порт-Доре в Париже, с мебелью Жака-Эмиля Рульмана и фресками Луи Буке (1931)

Детали потолка и люстры в вестибюле башни Кэрью в Цинциннати, Огайо, работы Уолтера В. Альшлагера (1930)

Межкомнатная дверь в Крайслер-билдинг (1930)

Вестибюль Крайслер Билдинг в Нью-Йорке, Уильям Ван Ален (1930)

Вестибюль Саттер-стрит , 450 в Сан-Франциско, Калифорния автор Тимоти Пфлюгер (1929)

Нижний вестибюль здания Guardian в Детройте работы Вирта Роуленда (1929)

В Здание Фишера в Детройт, Мичиган автор Джозеф Натаниэль Френч (1928)

Грандиозными витринами американского дизайна интерьера в стиле ар-деко были вестибюли правительственных зданий, театров и особенно офисных зданий. Интерьеры были чрезвычайно красочными и динамичными, сочетая скульптуру, фрески и витиеватый геометрический дизайн из мрамора, стекла, керамики и нержавеющей стали. Ранним примером было здание Фишера в Детройте, построенное Джозефом Натаниэлем Френчем; вестибюль был богато украшен скульптурой и керамикой. Здание Guardian (первоначально здание Union Trust Building) в Детройте, построенное Виртом Роуландом (1929), отделано красным и черным мрамором и яркой керамикой, подчеркнуто полированными стальными дверями лифта и стойками. Скульптурные украшения, установленные на стенах, иллюстрировали достоинства трудолюбия и экономии; здание сразу же назвали «Коммерческим собором». Медицинское и стоматологическое здание под названием Саттер-стрит, 450 в Сан-Франциско, построенное Тимоти Пфлюгером, было вдохновлено архитектурой майя в сильно стилизованной форме; в нем использовались пирамидальные формы, а внутренние стены были покрыты сильно стилизованными рядами иероглифов.

Во Франции лучшим примером интерьера в стиле ар-деко того периода был Дворец Порт-Доре (1931) Альбера Лапрада, Леона Жоссели и Леона Базена. Здание (ныне Национальный музей иммиграции с аквариумом в подвале) было построено для Парижской колониальной выставки 1931 года, чтобы прославить людей и продукцию французских колоний. Внешний фасад был полностью покрыт скульптурой, а вестибюль создавал гармонию в стиле ар-деко с деревянным паркетным полом с геометрическим рисунком, фреской, изображающей жителей французских колоний; и гармоничной композицией из вертикальных дверей и горизонтальных балконов.

Дворцы кинотеатров

Государственный кинотеатр Гомон в Лондон Автор: Джордж Коулз (1937)

«Парамаунт» в Шанхае, Китай, С. Дж. Янга (1933)

Гранд Рекс в Париже работы Огюста Блуизена, Джона Эберсона, Анри-Эдуарда Наварры и Мориса Дюфрена (1932)

Аудитория и сцена Мюзик-холла Радио Сити в Нью-Йорке работы Эдварда Дарелла Стоуна и Дональда Дески (1932)

Четырехэтажный большой вестибюль театра Paramount в Окленде, Калифорния, работы Тимоти Пфлюгера (1932)

Египетский театр Граумана в Голливуд (Лос-Анджелес), Калифорния автор Мейер и Холлер (1922)

Театр Тушинского в Амстердаме работы Хиджмана Луи де Йонга и Виллема Кромхаута (1921)

Многие из лучших сохранившихся образцов ар-деко — это кинотеатры, построенные в 1920-1930-х годах. Период ар-деко совпал с переходом немого кино на звуковое, и кинокомпании построили большие кинопоказы в крупных городах, чтобы привлечь огромную аудиторию, которая приходила посмотреть фильмы. Кинотеатры 1920-х годов часто сочетали экзотические темы со стилем ар-деко; Египетский театр Граумана в Голливуде (1922) был вдохновлен древнеегипетскими гробницами и пирамидами, в то время как театр Фокс в Бейкерсфилде, Калифорния, пристроил к залу ар-деко башню в стиле Калифорнийской миссии. Самым большим из всех является Radio City Music Hall в Нью-Йорке, который открылся в 1932 году. Первоначально спроектированное как место для театральных представлений, оно быстро превратилось в кинотеатр, вмещающий 6 015 зрителей. В дизайне интерьера Дональда Дески использовались стекло, алюминий, хром и кожа, чтобы создать визуальный уход от реальности. У театра Paramount в Окленде, Калифорния, работы Тимоти Пфлюгера был красочный керамический фасад, вестибюль высотой в четыре этажа и отдельные комнаты для курения в стиле ар-деко для джентльменов и леди. Подобные величественные дворцы появились в Европе. В Grand Rex в Париже (1932) с его внушительной башней был крупнейшим кинотеатром в Европе после Gaumont-Palace на 6000 мест (1931-1973). В кинотеатре Gaumont State Cinema в Лондоне (1937) была построена башня по образцу Эмпайр-стейт-билдинг, покрытая кремовой керамической плиткой, с интерьером в стиле ар-деко-итальянского ренессанса. Театр Paramount в Шанхае, Китай (1933) изначально был построен как танцевальный зал под названием Ворота 100 удовольствий; после коммунистической революции 1949 года он был преобразован в кинотеатр, а сейчас представляет собой бальный зал и дискотеку. В 1930-х годах итальянские архитекторы построили небольшой кинотеатр Cinema Impero в Асмэре на территории нынешней Эритреи. Сегодня многие кинотеатры разделены на мультиплексы, но другие были отреставрированы и используются в качестве культурных центров в своих общинах.

Украшения и мотивы

Упрощенные интерпретации дорических колонн (с основной прямоугольной капителью или основанием, или просто в виде вала) – Могила Гюстава Симона на кладбище Превиль, Нанси, Франция, неизвестный архитектор (после 1926 года)

Птицы – Набережная Орсе № 55 в Париже, спроектированная Луи-Ипполитом Буало и вырезанная Леоном Бине (1913)

Аллегорические изображения – Фронтон дома Михая Зисмана (Калеа Кэлэрашилор № 44) в Бухаресте, автор Сору (1920)

Стилизованные цветы (особенно спиралевидные цветы и сходящиеся пучки) – архитектурный элемент для Parfumerie d’Orsay в Париже, автор Жорж Бель (1922)

Урна – угловой шкаф из красного дерева с рисунком корзины для роз, инкрустированной слоновой костью, работы Жака-Эмиля Рульмана (1923), Бруклинский музей, Нью-Йорк

Цветочная корзина – Балконы и фронтон авеню Монтень № 41 в Париже, неизвестный архитектор или скульптор (1924)

Повторяющиеся узоры – декоративная металлоконструкция здания Мэдисон Бельмонт (Мэдисон-авеню № 181-183) в Нью-Йорке, работы Ферробрандта (1925)

Цветок папируса – почетный знак на Международной выставке современного декоративного и промышленного искусства в Париже, Эдгар Брандт (1925)

Листва прокрутка – Двери лифта, работы Брандта (1926), кованое железо, стекло, патинированная и позолоченная бронза, музей Галуста Гюльбенкяна, Лиссабон

Украшение не только с помощью орнаментов, но и с помощью сочетаний объемов — Витуи (авеню Чарльза Уэста № 183) в Брюсселе, Бельгия, автор Джозеф Дионгре (1927)

Гениальные игры света и тьмы – Дизайн сцены для Мечтерула Маноле (Мастера-строителя Маноле), Виктора Федорова (1927-28), коллекция Национального театра, Бухарест

Медальон в форме восьмиугольника — Вывеска универмага La Samaritaine в Париже, работы Анри Соважа (1928)

Мозаика – Дом Блю (Rue d’Alsace № 28) в Анже, Франция, спроектирован Роже Жюссераном и украшен мозаикой Одорико Фрера (1928)

Вертикальная лепнина – Грейбрук-хаус (Брук-стрит, № 28) в Лондоне, автор Sir John Burnet & Partners (1928-29)

Горизонтальная лепнина – Atlantic Huis (Вестплейн № 51) в Роттердаме, автор П.Г. Бускенс (1928-1930)

Ступенчатый мотив – вестибюль Крайслер Билдинг в Нью-Йорке, Уильям Ван Аллен (1928-1930)

Артезианский фонтан – лампа Пола Кисса (ок. 1930) из стекла и металла на временной выставке под названием «Эпоха джаза» в Художественном музее Кливленда, США

Рог изобилия – Елисейские поля № 77 в Париже, неизвестный архитектор (ок. 1930)

Сложные зигзаги – ножка консольного столика, работы Поля Фера (ок. 1930), металл, на временной выставке под названием «Эпоха джаза» в Художественном музее Кливленда

Рационализация – Улица Грамм № 17-21 в Париже, Марсель Чаппи (1930)

Эстетика искусственного освещения – Maison de France (ныне выставочный зал Louis Vuitton), Елисейские поля № 101 в Париже, Луи-Ипполит Буало и Шарль-Анри Беснар (1931)

Солнечный луч – деталь над входом в здание Восточной Колумбии (S. Broadway № 849) в Лос-Анджелесе, Клод Билман (1930)

Зиккурат – отель Юнион (Страда Иона Чампиняну № 11) в Бухаресте, автор Аргир Кулина (1931)

Вертикальные и горизонтальные светящиеся поверхности – Прихожая виллы Кавруа в Круа, Франция, Роб Маллет-Стивенс (1932)

Волнистый линейный рельеф на могиле семьи Стражеску на кладбище Беллу, Бухарест, работы Джорджа Кристинеля (1934)

Декоративная стилизованная надпись – Эдифисио дель Парк в Мехико, Эрнесто Буэнростро (1935)

Оформление в период ар-деко прошло через несколько различных этапов. Между 1910 и 1920 годами, когда модерн был исчерпан, дизайнерские стили вернулись к традициям, особенно в творчестве Поля Ирибе. В 1912 году Андре Вера опубликовал эссе в журнале L’Art Décoratif, призывающее вернуться к мастерству и материалам прошлых веков и использовать новый набор форм, взятых из природы, в частности корзины и гирлянды из фруктов и цветов. Вторая тенденция ар-деко, также возникшая с 1910 по 1920 год, была вдохновлена яркими красками художественного движения, известного как фовисты, а также красочными костюмами и декорациями Русских балетов. Этот стиль часто выражался с помощью экзотических материалов, таких как акулья кожа, перламутр, слоновая кость, тонированная кожа, лакированное и крашеное дерево, а также декоративных вставок на мебели, которые подчеркивали ее геометрию. Этот период стиля достиг своего апогея на Парижской выставке декоративного искусства 1925 года. В конце 1920-х и 1930-х годах декоративный стиль изменился, вдохновленный новыми материалами и технологиями. Он стал более изящным и менее декоративным. Мебель, как и архитектура, стала иметь закругленные края и приобретать отполированный, обтекаемый вид, заимствованный из обтекаемого современного стиля. В мебели и отделке начали появляться новые материалы, такие как никелированная или хромированная сталь, алюминий и бакелит, ранняя форма пластика.

На протяжении всего периода ар-деко, и особенно в 1930-е годы, мотивы декора выражали функцию здания. Театры были украшены скульптурами, которые иллюстрировали музыку, танцы и волнение; энергетические компании показывали восходы солнца, Крайслер-билдинг демонстрировал стилизованные украшения на капоте; На фризах Дворца Порт-Доре на Парижской колониальной выставке 1931 года были изображены лица различных национальностей французских колоний. Из-за обтекаемого стиля казалось, что само здание находится в движении. На фресках WPA 1930-х годов изображены обычные люди; фабричные рабочие, почтовые служащие, семьи и фермеры вместо классических героев.

Максималистско – каминный экран, Эдгар Брандт (1925), кованое железо, на временной выставке под названием «Век джаза» в Художественном музее Кливленда, США

Симметричный – Улица Шомель № 14, Париж, спроектирован Эмилем Бурсье и вылеплен Раймоном Деламаром (1934)

Асимметричный — Министерство юстиции (Булевардул Регина Элизабета № 53), Бухарест, автор Константин Йоцу (1929-1932)

Угловой вход в Крайслер Билдинг в Нью–Йорке, Уильям Ван Аллен (1928-1930)

Пышный – авеню Монтень № 26, Париж, Луи Дюайон и Марсель Жюльен (1937)

Арт-деко, как и породившие его сложные времена, лучше всего можно охарактеризовать рядом противоречий: минимализм против максимализма, угловатость против текучести, зиккурат против обтекаемости, симметричность против неправильности, и это лишь некоторые из них. Иконография, выбранная художниками ар-деко для выражения этого периода, также полна противоречий. Прекрасные девушки в платьях 18 века, кажется, соседствуют с шикарными утонченными дамами и лежащей обнаженной натурой, а вспышки молнии освещают стилизованные бутоны роз.

Мебель

Французская мебель с 1910 по начало 1920-х годов была в значительной степени обновлением традиционных стилей французской мебели и дизайнов в стиле модерн Луи Мажореля, Шарля Плюме и других производителей. Французские производители мебели почувствовали угрозу из-за растущей популярности немецких производителей и стилей, особенно стиля Бидермейер, который был простым и с чистыми подкладками. Французский дизайнер Франц Журден, президент Парижского осеннего салона, пригласил дизайнеров из Мюнхена принять участие в Салоне 1910 года. Французские дизайнеры увидели новый немецкий стиль и решили ответить на вызов Германии. Французские дизайнеры решили представить новые французские стили на Салоне 1912 года. В правилах Салона указывалось, что разрешены только современные стили. В салоне приняли участие все крупнейшие французские дизайнеры мебели: Пол Фолло, Пол Ирибе, Морис Дюфрен, Андре Груло, Андре Маре и Луи Суэ, представившие новые работы, которые обновили традиционные французские стили Людовика XVI и Луи Филиппа с более угловатыми углами, вдохновленными кубизмом, и более яркими цветами, вдохновленными фовизмом и Наби.

Шведский стол в стиле водопада

Мебель и ковер в стиле позднего ар-деко от Жюля Леле (1930-е)

Клубный стул в стиле ар-деко (1930-е)

Стол администратора, Мишель Ру-Шпиц для Салона художников-декораторов 1930 года

Мебель от Джио Понти (1927)

Дизайн шкафа от Ruhlmann

Кабинет Рульмана (1926)

Шкаф, покрытый шагренью или акульей кожей Андре Груло (1925)

Угловой шкаф из красного дерева с дизайном корзины для роз, инкрустированной слоновой костью Эмиля-Жака Рульмана (1923)

Туалетный столик и стул из мрамора и инкрустированного, лакированного и позолоченного дерева работы Фолло (1919-20)

Кресло Луи Сюэ (1912) и расписная ширма Андре Маре (1920)

Кресло Пола Фолло (1912-1914)

Художник Андре Маре и дизайнер мебели Луи Сюэ оба участвовали в Салоне 1912 года. После войны двое мужчин объединились, чтобы создать свою собственную компанию, формально называемую Compagnie des Arts Française, но обычно известную просто как Suë и Mare. В отличие от выдающихся дизайнеров в стиле ар-нуво, таких как Луи Мажорель, которые лично проектировали каждую вещь, они собрали команду квалифицированных мастеров и создали полный дизайн интерьера, включая мебель, стеклянную посуду, ковры, керамику, обои и освещение. В их работах использовались яркие цвета, мебель и ценные породы дерева, такие как черное дерево, инкрустированное перламутром, морскими ушками и посеребренным металлом для создания букетов цветов. Они проектировали все, от интерьеров океанских лайнеров до флаконов духов для лейбла Жана Пату.Фирма процветала в начале 1920-х, но двое мужчин были лучшими мастерами, чем бизнесменами. Фирма была продана в 1928 году, и оба мужчины ушли.

Самым выдающимся дизайнером мебели на выставке декоративного искусства 1925 года был Эмиль-Жак Рульманн из Эльзаса. Сначала он выставлял свои работы на Осеннем салоне 1913 года, затем у него был собственный павильон «Дом богатого коллекционера» на выставке 1925 года. Он использовал только самые редкие и дорогие материалы, включая черное дерево, красное дерево, палисандр, амбон и другие экзотические породы дерева, украшенные вставками из слоновой кости, панциря черепахи, перламутра, маленькие шелковые помпоны украшали ручки ящиков шкафов. Его мебель была основана на моделях 18 века, но упрощена и видоизменена. Во всех его работах внутренняя структура мебели была полностью скрыта. Каркас, обычно из дуба, был полностью покрыт накладкой из тонких полосок дерева, затем покрыт вторым слоем полосок из редких и дорогих пород дерева. Затем его покрыли шпоном и отполировали, так что изделие выглядело так, как будто было вырезано из цельного куска дерева. Контраст с темным деревом создавали вставки из слоновой кости, а также пластины для ключей и ручки из слоновой кости. По словам Рульмана, кресла должны были быть спроектированы по-разному в соответствии с функциями комнат, в которых они появились; кресла для гостиной были спроектированы так, чтобы быть уютными, офисные кресла — удобными, а салонные кресла — роскошными. Было изготовлено лишь небольшое количество предметов мебели каждого дизайна, и средняя цена одной из его кроватей или шкафов была выше, чем цена среднего дома.

Жюль Леле был дизайнером традиционной мебели, который плавно перешел к ар-деко в 1920-х годах; он разработал мебель для столовой Елисейского дворца и для кают первого класса парохода Нормандия. его стиль характеризовался использованием черного дерева, дерева Макассар, грецкого ореха, с отделкой бляшками из слоновой кости и перламутра. Он представил стиль лакированной мебели в стиле ар-деко в конце 1920-х, а в конце 1930-х представил мебель из металла с панелями из дымчатого стекла. В Италии дизайнер Джио Понти был известен своими обтекаемыми дизайнами.

Дорогая и экзотическая мебель Рульмана и других традиционалистов привела в ярость модернистов, включая архитектора Ле Корбюзье, что побудило его написать знаменитую серию статей, осуждающих стиль arts décoratif. Он нападал на мебель, производимую только для богатых, и призывал дизайнеров создавать мебель из недорогих материалов в современном стиле, которую могли бы позволить себе обычные люди. Он разработал свои собственные стулья, созданные для того, чтобы быть недорогими и производиться массово.

В 1930-х годах дизайн мебели адаптировался к форме, с более гладкими поверхностями и изогнутыми формами. Среди мастеров позднего стиля был Дональд Дески, который был одним из самых влиятельных дизайнеров; он создал интерьер мюзик-холла Radio City. Он использовал смесь традиционных и очень современных материалов, включая алюминий, хром и бакелит, раннюю форму пластика. Среди других ведущих дизайнеров мебели в стиле ар-деко 1930-х годов в Соединенных Штатах были Гилберт Роде, Уоррен Макартур и Кем Вебер.

Стиль водопада был популярен в 1930-1940-х годах, в то время это была самая распространенная форма мебели в стиле ар-деко. Изделия обычно изготавливались из фанеры, отделанной светлым шпоном, с закругленными краями, напоминающими водопад.

Дизайн

Обтекаемый локомотив New York Central с 20th Century Limited Hudson 4-6-4 (ок. 1939)

Призрачный корсар, разработанный Рустом Хайнцем (1938)

Автомобильная модель 812 Cord, разработанный Гордоном М. Бюригом и сотрудниками (1937)

Пылесос Electrolux (1937)

Настольный радиоприемник Philco (ок. 1937)

Аэролит Bugatti (1936)

Cедан Chrysler Airflow, разработанный Карлом Бриром (1934)

Радиоприемник Philips (1931)

Камера Beau Brownie, дизайн Уолтера Дорвина Тига для Eastman Kodak (1930)

Письменный столParker Duofold (ок. 1930)

Рационализация была разновидностью ар-деко, появившейся в середине 1930-х годов. На него повлияли современные аэродинамические принципы, разработанные для авиации и баллистики для уменьшения аэродинамического сопротивления на высоких скоростях. Формы пуль были применены дизайнерами к автомобилям, поездам, кораблям и даже объектам, не предназначенным для перемещения, таким как холодильники, бензонасосы и здания. Одним из первых серийных автомобилей в этом стиле был Chrysler Airflow 1933 года выпуска. Он оказался коммерчески неудачным, но красота и функциональность его дизайна создали прецедент; подразумевали современность. Его продолжали использовать в дизайне автомобилей и после Второй мировой войны.

Новые промышленные материалы начали влиять на дизайн автомобилей и предметов домашнего обихода. К ним относились алюминий, хром и бакелит, ранняя форма пластика. Бакелиту можно было легко придавать различные формы, и вскоре он стал использоваться в телефонах, радиоприемниках и других бытовых приборах.

Океанские лайнеры также переняли стиль ар-деко, известный по-французски как Style Paquebot, или «Стиль океанского лайнера». Самым известным примером был корабль СС «Нормандия», совершивший свое первое трансатлантическое путешествие в 1935 году. Он был разработан специально для того, чтобы привозить богатых американцев в Париж за покупками. Каюты и салоны были обставлены по последнему слову техники в стиле ар-деко. Большой салон корабля, который служил рестораном для пассажиров первого класса, был больше, чем Зеркальный зал Версальского дворца. Он был освещен электрическими лампами на двенадцати колоннах из хрусталя Лалик; вдоль стен стояли тридцать шесть таких же колонн. Это был один из самых ранних примеров освещения, непосредственно интегрированного в архитектуру. Стиль кораблей вскоре был адаптирован к зданиям. Примечательный пример можно найти на набережной Сан-Франциско, где здание Морского музея, построенное как общественная баня в 1937 году, напоминает паром с корабельными перилами и закругленными углами. Паромный терминал Star в Гонконге также использовал вариацию этого стиля.

Текстиль

 

Изобилие текстильного дизайна Андре Маре (1911), Метрополитен-музей, Нью-Йорк

Дизайн птиц из ателье Мартина от Поля Ирибе (1918)

Текстиль с рисунком розы, разработанный Маре (ок. 1919), Метрополитен-музей искусств

Узор из розового мусса для обивки мебели из хлопка и шелка (1920), Метрополитен-музей искусств

Текстиль был важной частью стиля ар-деко в виде красочных обоев, обивки мебели и ковров, В 1920-х годах дизайнеров вдохновляли декорации к Русским балетам, дизайны тканей и костюмы от Леона Бакста и творения Венской галереи. Ранний дизайн интерьера Андре Маре отличался яркими и сильно стилизованными гирляндами из роз и других цветов, которые украшали стены, полы и мебель. Стилизованные цветочные мотивы также доминировали в работах Рауля Дюфи и Поля Пуаре, а также в дизайне мебели Дж. Э. Рульмана. Цветочный ковер был заново изобретен в стиле деко Полем Пуаре.

Использование стиля было значительно расширено благодаря внедрению системы печати на основе трафаретов pochoir, которая позволила дизайнерам добиться четкости линий и очень ярких цветов. Формы ар-деко появились в одежде Поля Пуаре, Чарльза Ворта и Жана Пату. После Первой мировой войны экспорт одежды и тканей стал одним из важнейших источников дохода Франции.

Обои и текстиль в стиле позднего ар-деко иногда изображали стилизованные промышленные сцены, городские пейзажи, локомотивы и другие современные темы, а также стилизованные женские фигуры, металлическую отделку и геометрические узоры.

Ультрамодные модели

Реклама пижамы из ткани Lisières Fleuries от Le Jardin des Modes (1930)

Луиза Брукс с прической а-ля гарсон на рекламном фото для Дневника потерянной девушки (1929)

Коко Шанель в матросской блузе и брюках (1928)

Юбка от Дома Аньес (1925-1927), шелк, Музей Галлиера

Дезире Любовска в платье от Жана Пату (ок. 1921)

Вечернее платье от Дома Аньес (1920-1930), шелк, жемчуг, стразы, кабошон и другие материалы, Музей Галлиера, Париж

Cécile Sorel в Comédie-Française (1920)

Иллюстрация Барбье платья от Пакен (1914). Стилизованные цветочные узоры и яркие цвета были характерной чертой раннего ар-деко.

Вечернее платье из Журнала дам и мод, иллюстрированное Джорджем Барбье (1913), Библиотека Честера Битти, Дублин

Вечерний фрак от Поля Пуаре (ок. 1912), шелк и металл, Метрополитен-музей, Нью-Йорк

Новая женщина времен, предшествовавших Первой мировой войне, стала Амазонкой эпохи ар-деко. За этот период мода кардинально изменилась, в частности, благодаря дизайнерам Полю Пуаре, а позже Коко Шанель. Пуаре внес важное новшество в дизайн одежды, концепцию драпировки, отхода от пошива одежды и создания узоров прошлого. Он разрабатывал одежду, скроенную по прямым линиям и состоящую из прямоугольных мотивов. Его стили предлагали структурную простоту. Корсетный вид и формальные стили предыдущего периода были оставлены, и мода стала более практичной и упорядоченной. С использованием новых материалов, более ярких цветов и набивных рисунков. Дизайнер Коко Шанель продолжила переход, популяризируя стиль спортивного, повседневного шика.

Особой типологией эпохи была Хлопушка, женщина, которая стригла волосы в короткую стрижку, пила коктейли, курила на публике и танцевала до поздней ночи в модных клубах, кабаре или богемных заведениях. Конечно, большинство женщин так не жили, Хлопушка была скорее персонажем, присутствующим в популярном воображении, чем реальностью. Другим женским стилем ар-деко был андрогинный гарсон 1920-х годов, с приплюснутой грудью, развеянной талией и открытыми ногами, сводящий силуэт к короткой трубке, увенчанной облегающей голову шляпой-клош.

Ювелирные изделия

Изумрудное ожерелье Маккей, изумруд, бриллиант и платина, работы Картье (1930), Национальный музей естественной истории Смитсоновского института, Вашингтон, Округ Колумбия

Подвески из формованного стекла на шелковых шнурах от Рене Лалика (1925-1930)

Золотая пряжка с бриллиантами и резьбой из оникса, лазурита, нефрита и коралла, работы Boucheron (1925)

Браслет из золота, коралла и нефрита (1925), Музей декоративного искусства, Париж

Портсигар из кожи и сусального золота работы Пьера Легрена (1922), представляющий собой полихромное геометрическое украшение, Метрополитен-музей, Нью-Йорк

В 1920-х и 1930-х годах дизайнеры, включая Рене Лалика и Картье, пытались уменьшить традиционное доминирование бриллиантов, введя более яркие драгоценные камни, такие как мелкие изумруды, рубины и сапфиры. Они также уделяли больше внимания очень сложной и элегантной обстановке, используя менее дорогие материалы, такие как эмаль, стекло, рог и слоновая кость. Сами бриллианты были огранены в менее традиционных формах; на выставке 1925 года было представлено много бриллиантов, ограненных в виде крошечных стержней или спичечных палочек. Другие популярные огранки в стиле ар-деко включают:

• изумрудная огранка с длинными ступенчатыми гранями;
• огранка asscher, более квадратная, чем у изумруда, с высокой заводной головкой и первым запатентованным бриллиантом;
• вырез в виде маркизы, чтобы создать иллюзию большего размера и смелости;
• огранка багета: небольшие прямоугольные формы ступенчатой огранки, часто используемые для обрисовки более смелых камней;
• старинная европейская огранка, круглая по форме и вырезанная вручную, так что внутри камня вспыхивают цветные искры (называемые огнем).

Оправа для бриллиантов также изменилась; Все чаще ювелиры использовали платину вместо золота, поскольку оно было прочным и гибким и могло устанавливать скопления камней. Ювелиры также стали использовать более темные материалы, такие как эмаль и черный оникс, которые обеспечивали более высокий контраст с бриллиантами.

Украшения стали намного красочнее и разнообразнее по стилю. Картье и фирма Boucheron объединили бриллианты с другими яркими драгоценными камнями, ограненными в форме листьев, фруктов или цветов, для изготовления брошей, колец, серег, зажимов и подвесок. Также стали популярны дальневосточные темы; бляшки из нефрита и коралла сочетались с платиной и бриллиантами, а туалетные столики, портсигары и пудреницы украшались японскими и китайскими пейзажами, выполненными из перламутра, эмали и лака.

Быстро меняющаяся мода на одежду привела к появлению новых стилей украшений. Платья без рукавов 1920-х годов означали, что руки нуждались в украшении, и дизайнеры быстро создали браслеты из золота, серебра и платины, инкрустированные лазуритом, ониксом, кораллом и другими разноцветными камнями; Другие браслеты предназначались для предплечий, и часто носили несколько браслетов одновременно. Короткие стрижки женщин двадцатых годов требовали изысканного дизайна сережек в стиле деко. Когда женщины начали курить в общественных местах, дизайнеры создали очень декоративные портсигары и мундштуки из слоновой кости. Изобретение наручных часов перед Первой мировой войной вдохновило ювелиров на создание необычно оформленных часов, инкрустированных бриллиантами и покрытых эмалью, золотом и серебром. Часы-подвески, подвешенные на ленте, также вошли в моду.

Известные ювелирные дома Парижа того периода Cartier, Chaumet, Georges Fouquet, Mauboussin и Van Cleef & Arpels создавали украшения и предметы в соответствии с новой модой. Фирма Chaumet изготавливала геометрические коробки для сигарет, зажигалки, пилюльки и записные книжки из твердых камней, украшенных нефритом, лазуритом, бриллиантами и сапфирами. К ним присоединились многие молодые дизайнеры, у каждого из которых было свое представление о деко. Рэймонд Темплиер разработал изделия с очень сложными геометрическими узорами, в том числе серебряные серьги, похожие на небоскребы. Жерару Сандосу было всего 18 лет, когда он начал создавать ювелирные украшения в 1921 году; он разработал множество знаменитых изделий, основанных на гладком и отполированном виде современного оборудования. Дизайнер по стеклу Рене Лалик также вошел в эту область, создав подвески из фруктов, цветов, лягушек, фей или русалок из скульптурного стекла ярких цветов, подвешенные на шелковых шнурах с кисточками. Ювелир Пол Брандт противопоставил прямоугольные и треугольные узоры и вставил жемчужины в линии на пластинках из оникса. Жан Депре изготавливал ожерелья контрастных цветов, сочетая серебро и черный лак или золото с лазуритом. Многие из его дизайнов выглядели как тщательно отполированные детали машин. Жан Дюнан также был вдохновлен современным оборудованием в сочетании с яркими красными и черными тонами, контрастирующими с полированным металлом.

Искусство из стекла

Витражи Жана Годена (1932-1934), Амьенский собор, Амьен, Франция

Ваза работы Даума (ок. 1930-1935), Музей декоративного искусства, Париж

Угловые люстры от Lanchester & Lodge (ок. 1929-1936), Библиотека Бразертона, Университет Лидса, Западный Йоркшир, Великобритания

Светильник для небоскреба, разработанный Арнальдо делл’Ира (1929), коллекция Арнальдо делл’Ира

Окно для офиса сталелитейного завода работы Луи Мажореля (1928), Grands bureaux des Aciéries de Longwy, Лонглавиль, Франция

Ваза с попугаем работы Лалика (1922), Художественный музей Цинциннати, США

«Жар-птица» работы Рене Лалика (1922), Дейтонский художественный институт, США

Бутылки, неизвестный дизайнер или производитель (1920-е)

Как и предшествующий ему период ар-нуво, ар-деко был исключительным периодом для производства тонкого стекла и других декоративных предметов, разработанных с учетом их архитектурного окружения. Самым известным производителем предметов из стекла был Рене Лалик, чьи работы, от ваз до украшений капотов автомобилей, стали символами того периода. До Первой мировой войны он занимался стеклом, создавая флаконы для духов Франсуа Коти, но он не начинал серьезное производство художественного стекла до окончания Первой мировой войны. В 1918 году, в возрасте 58 лет, он купил крупный стекольный завод в Комб-ла-Вилль и начал производить как художественные, так и практичные предметы из стекла. Он относился к стеклу как к форме скульптуры и создавал статуэтки, вазы, чаши, светильники и украшения. Он использовал полукристалл, а не свинцовый хрусталь, который был мягче и легче поддавался формовке, хотя и не такой блестящий. Иногда он использовал цветное стекло, но чаще всего использовал опалесцирующее стекло, где часть или вся внешняя поверхность была окрашена при стирке. Лалик предоставил декоративные стеклянные панели, светильники и стеклянные потолки с подсветкой для океанских лайнеров SS Иль-де-Франс в 1927 году и СС Нормандия в 1935 году и для некоторых спальных вагонов первого класса французских железных дорог. На Выставке декоративного искусства 1925 года у него был свой павильон, он спроектировал столовую с сервировкой стола и соответствующим стеклянным потолком для Севрского павильона и спроектировал стеклянный фонтан для внутреннего двора Cours des Métiers, тонкую стеклянную колонну, из которой по бокам била вода и которая подсвечивалась ночью.

Среди других известных производителей стекла в стиле ар-деко был Мариус-Эрнест Сабино, который специализировался на статуэтках, вазах, чашах и стеклянных скульптурах рыб, обнаженной натуры и животных. Для них он часто использовал опалесцирующее стекло, которое могло менять цвет с белого на голубой и янтарный, в зависимости от освещения. Его вазы и чаши украшали лепные фризы с изображениями животных, обнаженной натуры или женских бюстов с фруктами или цветами. Его работы были менее утонченными, но более красочными, чем у Лалика.

Среди других известных дизайнеров стекла в стиле деко были Эдмонд Этлинг, который также использовал яркие опалесцирующие цвета, часто с геометрическими узорами и скульптурной обнаженной натурой; Альбер Симоне, Аристид Колотт и Морис Марино, который был известен своими скульптурными бутылками и вазами с глубокой гравировкой. Фирма Daum из города Нанси, которая славилась своим стеклом в стиле модерн, выпустила линию ваз в стиле деко и стеклянных скульптур, массивных, геометрических и массивных по форме. Более изящные разноцветные работы были выполнены Габриэлем Аржи-Руссо, который изготовил изящно затененные вазы со скульптурными бабочками и нимфами, и Франсуа Декоршемоном, чьи вазы были с прожилками и мраморными.

Великая депрессия разрушила большую часть индустрии декоративного стекла, которая зависела от богатых клиентов. Некоторые художники обратились к разработке витражей для церквей. В 1937 году стекольная компания Steuben начала практику привлечения известных художников к производству стеклянной посуды. Луи Мажорель, известный своей мебелью в стиле модерн, разработал замечательный витраж в стиле ар-деко с изображением рабочих-металлургов для офисов Aciéries de Longwy, сталелитейного завода в Лонгви, Франция.

В Амьенском соборе есть редкий образец витражей в стиле ар-деко в часовне Святого Сердца, выполненных в 1932-34 годах парижским художником по стеклу Жаном Годеном по рисункам Жака Ле Бретона.

Искусство металла

Набор для коктейлей из хромированной стали от Нормана Бела Геддеса (1937)

Table mirror by Franz Hagenauer of Werkstätte Hagenauer Wien (c. 1930)

Железный и медный гриль под названием Oasis работы Эдгара Брандта, представленный на Парижской выставке 1925 года

Гриль с двумя крылышками под названием Фазаны, изготовленный Полом Киссом и выставленный на Выставке декоративно-промышленного искусства 1925 года

Художники ар-деко создали широкий спектр практичных предметов в стиле ар-деко, изготовленных из промышленных материалов — от традиционного кованого железа до хромированной стали. Американский художник Норман Бел Геддес разработал набор для коктейлей, напоминающий небоскреб, из хромированной стали. Раймон Субес разработал элегантную металлическую решетку для входа во Дворец Порт-Доре, центральную часть Парижской колониальной выставки 1931 года. Французский скульптор Жан Дюнан создал великолепные двери на тему «Охота», покрытые сусальным золотом и краской по штукатурке (1935).

Анимация

Визуальные эффекты и образы в стиле ар-деко использовались во множестве анимационных фильмов, включая Бэтмена, Ночной колпак, Все честно на ярмарке, Веселые манекены, Пейдж Мисс Глори, Фантазию и Спящую красавицу. Архитектура представлена в вымышленном подводном городе Восторг из серии видеоигр BioShock.

Архитектура в стиле ар-деко по всему миру

Архитектура в стиле ар-деко зародилась в Европе, но к 1939 году примеры были в крупных городах на каждом континенте и почти в каждой стране. Это подборка выдающихся зданий на каждом континенте.

Африка